如果要从美术史的角度讲中国画，应该说民国前的都可以统称为古画。国画在古代并无确定名称，一般称之为“丹青”，其主要指的是在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。汉族传统绘画形式是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上，这种画种被称为“中国画”，简称“国画”。
国画主要运用线条和墨色的变化，以钩、皴、点、染，浓、淡、干、湿，阴、阳、向、背，虚、实、疏、密和留白等表现手法，来描绘物象与经营位置；取景布局，视野宽广，有壁画、屏幛、卷轴、册页、扇面等画幅形式，辅以传统的装裱工艺装璜之。人物画从晚周至汉魏、六朝渐趋成熟。山水、花卉、鸟兽画等至隋唐之际始独立形成画科。五代、两宋流派竞出，水墨画随之盛行，山水画蔚成大科。文人画在宋代已有发展，而至元代大兴，画风趋向写意；明清和近代续有发展，日益侧重达意畅神。在魏晋、南北朝、唐代和明清等时期，先后受到佛教艺术和西方绘画艺术的影响。中国画强调“外师造化，中得心源”，要求“意存笔先，画尽意在”，强调融化物我，创制意境，达到以形写神，形神兼备，气韵生动。由于书画同源，以及两者在达意抒情上都和骨法用笔、线条运行有着紧密的联结，因此绘画同书法、篆刻相互影响，形成了显著的艺术特征。
学习中国画，首先应了解中国画的特点。传统的中国画具有悠久的历史，适应中国的文化土壤而生根开花，在立意、构图、技法和程式化的表现诸方面，都具有自己的特点，虽然博大精深，但也并非无规律可循，这里可以试举几点。
一、首重立意- -中国画的构思
中国画创作，以立意为重，所谓“意存笔先，画尽意在”，不管是画山水、画人物、还是画花鸟，传统的中国绘画都讲究对“意”的把握。这一点可以从历代名家对“意”的强调中看出来。
比如，唐代张彦远在《历代名画记》中有一段关于“六法”的论述：“夫象物必在于形似，形似须全其骨气。骨气形似．皆本于大意而归乎用笔。”
而在张彦远提出的“立意”之前，南朝齐、梁画家谢赫就已经有“创意”、“明意”之说了。创意者，所谓不落陈套，用意精当，借景以生境，笔少而意多也。作为一个画家，不仅要在平时注意练笔、锤炼个人的表现技巧，更为重要的是还要认真地加强对“意”的训练。要先学会明意，继而才能创意。可惜，很多习画者，常常只是注意在笔下功夫，而忽略了练意，这是值得引起注意的。
那“意”从何而来？
所谓“意”，其一，是画家对现实生活的丰富体察以及其创作经验的充分积累；其二，是画家本人的修养。在创作之先，画什么，怎么画，在头脑中已经有了成熟的构思，这时再下笔，往往就如有神助。比如，素有 “胸有成竹”之称的宋代画家文与可。
另外清代的方薰，也在《山静居画论》中强调了立意与作画之关系。他说：“作画必先立意以定位置，意奇则奇，意高则高，意远则远，意深则深，意古则古。”他认为平庸者作画必平庸，俗气者作画也俗气，因为缺乏画家最宝贵的“立意”。
二、以线存形――中国画的造型规律
中国画是以线存形的，通过线，以勾勒出物象的轮廓、质感、体积。德国的诗人歌德曾大力称赞美术有用光表现得神态活现的本领，这说明光是西洋画的造型手段之一。而中国画，则主要是以线为造型之基础，这就使中西绘画在造型手段上出现了明显之分野。当然，这并非说西洋画完全排斥用线，只是指光可以作为绘画的主要语言而用于绘画。
关于线，传统中国绘画中的线条大都不是物象所原有的，只用以代表两物象的境界。例如描一条蛋形线以表示人的脸孔，此线是脸与背景的界线，虽然人脸孔的周围并无此线。又如画一曲尺形线表示人的鼻头，此线是鼻与脸的界线，而事实上鼻头上也并无此线。至于山水、花卉等其他，在传统绘画上，对“线”也有一番严格的讲究。山水中的线条名为“皴法”。人物中的线条名为“衣褶”。
其实，往深里说，中国一向书画同源，作画同写字一样，随意挥洒，披露胸怀。对于物象的描写，从来不停止于外形之模拟，不拘泥于自然之真实，这一论见为艺术家建立起艺术应竭力企求之高度，成为指导绘画的一个重要准则。
三、多点透视――中国画的构图法则
中国画既用焦点透视法，也用散点透视法，既有严守真实的画面空间和布白，也有打破真实按构图需要而平列的空间和布白，这种对画面的灵活处理，使得物象在画面出现时，可以按实物在画面上的艺术需要而伸长或缩短变化其形象，以更换位置。一株低于视平线的牡丹花，往往也可以架高于祝平线之上，而取得最佳的透视效果。
四、随类赋彩- -中国画的色彩法则
“赋”者，“授”也。中国画中的“随类赋彩”体现在其色彩表现方法和表现过程上。一方面，赋彩的目的是为了“得意”，无需拘泥于五色，色相选择上有很大宽泛性，可随画家的审美心理或追求任意配置色彩。强调色彩的概括性和象征性，画那一件物品，就赋予那一件物品的基本色，达到色与物、色与线、色与墨、色与色的调和。另一方面，“赋彩”又有着非常严格的技术性要求。“赋彩非气韵不妙”，“妙”是一种分寸感，是对色彩美的敏锐感觉。如清人笠重光云:”宜浓而反淡，则韵不足。”又如悍寿平所云:“淡逸而不入轻浮，深厚而不流于郁滞。”
因此，对于中国而言，“春为青日汤，夏为朱明，秋为白露，冬为玄英。”中国画无论以水墨、淡彩还是重彩的形式出现，都越不出“随类赋彩”的范畴，赋情、赋意才是“随类赋彩”的最终目的。
五、气韵生动- -中国画的意境
中国画要求笔与墨合，情与景合。对于画家而言，“气韵生动”，即是画家所创造的艺术灵境，它不同于一般的写生画，应成为富有生气，新鲜而活泼，有诗一般的韵味，使观者神往无穷。
六、诗书画印纸笔- -中国画的独特形式
只有在中国画中，才有题字盖印的做法。而且，不仅文人画，可以显示其诗、书、画三绝之长，即便是一般的画作，也总要题字盖印，这样才有传统艺术的浓厚风味。题字和诗句，对于画作而言，可以提高或补充观者对作品的欣赏和理解，丰富构附的变化，起到互相衬映，互为显彰，点缀与平衡构图的多方面作用。
中国画的工具和材料之性能，也决定着中国画的特色。中国画是运用绢和纸作画，特别是生宣纸的出现，更加发挥了笔趣和墨彩。宣纸的渗性，毛笔的尖锥，使得笔锋无穷变化，产生出奇妙的效果。同时形成了各种效法和描法，画法和笔法。